Вінтаж : репродукція оригінал картин перенесена на фарфор колекція
Вінтаж: колекція панно Густав Клімт репродукція перенесена на фарфор .
Колекція 8 шт продається разом . 1990 рік. Репродукція оригінальних картин перенесена на фарфор способом випалу. Зверху інкрустація золотом вручну . Розмір 29,520,5 см . Вартість за колекцію . Декоративні панно з мотивами мистецтва Густава Клімта. Густав Клімт — австрійський художник та декоратор, один із найяскравіших представників віденського модерну . Художня спадщина Густава Клімта ' кілька абсолютно різних стилів: відсторонена і водночас чуттєва формальна мова історизму. Картина «Поцілунок» одна з найвідоміших стала стилізованим символом кохання. Незвичайний яскравий сюжет картини уособлює символ кохання, витісняючи глибоку ідею твору. Репродукції картин Клімтона можна зустріти по всьому світу в елегантних '. Елегантні декоративні тарілки, виготовлена з міцного фарфору , із зображенням картин Густава Клімта. «Поцілунок» (німецька: Der Kuß) - картина австрійського художника Густава Клімта, намальованої в 1907-1908 роках. Полотно належить до періоду роботи Клімта, який називається «Золотий»: В цей час художник багато працював із золотим та справжнім листовим золотим листом. Популярність картин цього часу, включаючи «поцілунок», не в останню чергу ' з використанням золота як кольору як кольору. Золото споконвіку викликало магічні, релігійні асоціації однаково з почуттям матеріальної цінності та значення. Трохи цієї цінності та сліпучого сяйва, що випливає із золота, тісно ' зі змістом зображення. Значення зображення, здається, висвітлює його значення. Стилістичні властивості цього періоду, що характеризуються зменшенням глибини простору та декоративної площини зображення, підкреслюють значення самого зображення та простору на малюнку. Аура полотна та його зачаровуюча краса експресу, з одного боку, його "цінність", з іншого боку, вони представляють закохану пару як символ безтурботного еротичного щастя. На скелі, на краю квіткового лугу, в золотій аурі, повністю занурені один в одного, відгороджені від усього світу в любові. Через невизначеність того, що відбувається, здається, що пара, зображена на малюнку, переходить у космічний стан, який не підлягає часу та простору, з іншого боку всіх історичних та соціальних стереотипів та катаклізмів. Повна усамітнення та спина заднього обличчя людини лише підкреслюють враження ізоляції та відстороненості щодо спостерігача. Цей головний символ чоловічості відповідає вірусному чоловікові. Вся енергія полотна походить від нього. Саме він схопив жінку головою своїми руками і повернув її до нього, щоб поцілувати її в щоку. На відміну від чоловіка, жінка зображена на малюнку в пасивній ролі. Вона стоїть, на колінах - чіткий символ підпорядкування. Деякі дослідники вважають, що картина зображує самого художника зі своєю коханою Емілією Флег. Згідно з повідомленнями преси, у 2006 році картина була придбана за рекордну суму в 135 мільйонів доларів за живопис американським підприємцем Рональдом Лодером для нової галереї, яку він заснував у Нью-Йорку. Про цю картину в 2015 році було знято фільм про каси в золоті. "Три вік жінки" - це картина австрійського художника Густава Клімта. 1905 р. Полотно символізує життєвий цикл, який є одним із центральних мотивів творчості Клімта. Художник висловив протидію молоді та старості стилістичними контрастами та відмінностями у сприйнятті реальності. З одного боку, молода жінка зі сплячою дитиною на руках - це світська Мадонна, сама занурена в стан, подібний до сну, пасивного, стилізованого, вплетеного в орнаментальний фон полотна. З іншого боку, стара жінка зображена в профілі, у відчаї прикривши її обличчя. Таким чином, контраст між стилізованим зображенням молодої жінки та натуралістичним образом старої жінки набуває символічного значення: перша фаза життя приносить із собою нескінченні можливості та метаморфози, остання - постійну сталість та конфлікт із реальністю. Як і в «поцілунку», фігури, зображені на полотні, поєднують фалічний символ. "Чекання - Дерево життя - досягнення". У "Чекаючих" танцююча дівчина більше не має нічого спільного зі фатальними моделями Клімта, які "дихали" раніше перевага над чоловічим принципом. "Японські" риси цього зображення викликані смаками та побажаннями родини Стокл, у володінні якої було багато предметів східного мистецтва, тому для гармонізації приміщень цей стиль не був обраний випадково. Надія Вагітність Герма, однієї з затребуваних моделей Клімта, зіграла позитивну роль у реалізації надзвичайних творчих ідей художника, який був чужий його батьківським почуттям, але "брав участь" у багатьох "таїнствах", ' з народженням нелегітимного потомства. Посилаючись на своє делікатне становище, жінка, далека від пуританської поведінки, тривалий час не погоджувалася позувати для художника, адже навіть у її оточенні все, що ' з народженням нового життя, було ретельно захищене від уваги незнайомців. Зрозумівши, що гроші, запропоновані Клімтом, просто не можуть бути відсторонені, Німеччина програла наполегливим пропозиціям художника, і тепер вже більше століття вона спокійно "спостерігала" за публікою з картини "Надія", зовсім не "збентежена" відсутністю одягу. Поезія Прагнення до щастя «Портрет Адель Блох-Бауер I» (1907) - картина Густава Клімта. Також відомий як золота Адель або австрійська Мона Ліза. Картина вважається однією з найзначніших картин Клімта та австрійського арт-модерну взагалі. Обличчя та руки, реально написані холодними кольорами, є візуальним домінантом у сприйнятті картини, що виділяється на тлі інших елементів, виконаних декоративними. Склад полотна розділений на дві вертикальні частини: Адель Блох-Бауер зображена праворуч, ліва сторона майже порожня і містить лише натяк на внутрішню частину. Нижня третина полотна наповнена подолом її сукні. Густав Клімт відмовився зображувати перспективну глибину на малюнку, віддаючи перевагу плоскості. Декоративний фон золото витісняє ескізний простір на другий план. Стіни, крісло та плаття моделі виявляються лише двовимірними фігурами, розташованими неподалік. Згідно з повідомленнями преси, у 2006 році картина була придбана на рекордну суму в 135 мільйонів доларів за живопис американським підприємцем Рональдом Лодером для нової галереї, яку він заснував у Нью-Йорку. Про цю картину у 2015 році було знято фільм про каси в золоті.
Вінтаж: колекція настінних картин панно фарфор.
Розміри кожного панно - 21 х 16 см. Рідкісний набоp з 8 вінтажних надзвичайно кpaсивих фaрфoрoвиx кapтин /дeкоративних тарілок / пaннo / плaкeтки ) всесвітньо відомого Митця -люмініcта Томаcа Кінкeйда (Тhomаs Кinkade, Всі картини Томаса Кінкейда написані в спеціальній техніці; вони - як би підсвічені зсередини, запрошуючи глядачів забути про свої проблеми, стреси і віддатися солодкій ностальгії за своїм безтурботним дитинством , коли весь навколишній світ був пофарбований зовсім іншими фарбами. У своїх роботах художник підкреслює тепло навколишнього світу. Затишні котеджі, річки, мости, світло вуличних ліхтарів, літній пейзаж, природа - на картинах зображено побут старовинної англійського села. Розміри кожного панно - 21 х 16 см. Всі картини у відмінному стані і мають оригінальні сертифікати. На задній поверхні - на рамах є отвори для підвісу на стіну. Колекція стане гідною прикрасою Вашого інтер‘;єру або прекрасним подарунком на ювілей, день народження та інші свята. Уявіть собі царство далеко від постійного потоку поганих новин, де котеджі, що світяться, затишно влаштувалися в густих заростях квітів або на скелястих оголеннях біля моря. Це земля, не схильна до цунамі і землетрусів; ізольовані від політичної риторики, що розділяє нації та сім'ї надвоє. Якщо для вас це звучить ідилічно, то художник Томас Кінкейд точно так вважав, коли в 1980-х роках почав малювати свої знамениті солодко-солодкі краєвиди. «[Мої картини] ваблять вас у цей світ, який є альтернативою вашим нічним новинним трансляціям, - сказав він New York Times у 2001 році. - Людям нагадують, що це не вся потворність у світі». Справді, залиті світлом райські сцени Кінкейда зображають перепочинок від суворих реалій та зачарували мільйони американців. Компанія Кінкейда заявила, що в кожному 20-му будинку в США є картина, гравюра або фігурки Кінкейда, на яких стоїть штамп із його роботою та ім'ям. Якщо числа вірні, вони роблять його - на жах незліченних мистецтвознавців, які висміювали його роботи як тві, вульгарність чи відвертий кітч – найзібранішим художником в Америці. «Були книги та компакт-диски з мільйонами продавців. Але досі не було творів мистецтва з мільйонними продажами», – сказав Кінкейд репортеру Morley Safer у програмі «60 хвилин» у 2001 році. І Кінкейд справді заробляв мільйони. Його бізнес, Thomas Kinkade Company (нині Thomas Kinkade Studios), колись перебував у державній власності та заробив стан, продаючи репродукції через телешоу, такі як QVC, та ліцензуючи зображення таким корпораціям, як Disney, Hallmark та меблі La-Z-Boy . В інтерв'ю він наголосив: «Ми знайшли спосіб донести до мільйонів людей мистецтво, яке вони можуть зрозуміти». Але, незважаючи на наполегливу вимогу Кінкейда про доступність, його практика (і реакція на неї, що розділяє кімнати) також втілила глибоко розколюють аспекти нашої сучасної культури, а саме те тернисте місце, де стикаються популізм та елітизм. «Я думаю, що неможливо не бачити в ньому людину, яка багато зробила для розпалювання культурних воєн і заробила багато грошей, пояснюючи людям, що вони були зовні, що люди дивилися на них зверхньо, що світ мистецтва був сміятися з них», - сказав Алексіс Бойлан, редактор Томаса Кінкейда: Художник у торговому центрі, книги 2011 року, в якій зібрані наукові есе про творчість Кінкейда та його вплив. Але щоб зрозуміти підхід Кінкейда, ми маємо спочатку повернутися до його витоків. Кінкейд, відомий своїм друзям та шанувальникам як Том, виріс у 1960-х роках у невеликому містечку Плейсервілль на півночі Каліфорнії. Після того, як його батько пішов із сім'ї, Кінкейд і його брати та сестри виховувалися у відносній бідності своєю матір'ю-одинаком. «Його мати з усіх сил намагалася виростити трьох дітей, але він, як і раніше, завжди мріяв про будинок, в якому було увімкнено світло і всі каміни. - для теплого та домашнього відчуття», - сказала Деніз Сандерс, яка пропрацювала разом з Кінкейдом 15 років, поки Про свою смерть у 2012 році розповів Artsy. (Вона досі працює у Thomas Kinkade Studios.) "Природні притулки Томаса Кінкейда." Поштучно немає . Ціна вказана за колекцію 8 шт. Розміри: 21х16 см.
Вінтаж: колекційні настінні панно - репродукція оригінал картин
Діаметр 22,5 см . Ціна за 1 шт . Серія 8 шт і продається виключно разом . Поштучно в наявності фото. 2, 5,6 . Швейцарський художник та ілюстратор, який отримав звання "національний художник" Швейцарії за свої, популярні в 19-м столітті, картини, що зображують швейцарську сільське життя. Народився в сім’ї ветеринара Самуеля Анкера , члена Установчих зборів в кантоні Берн, і Маріанни Елізабет Гатшет і був другим з трьох дітей сімейства Анкера. Дід художника - Рудольф Анкер, був також ветеринаром, а дід по материнській лінії Мейер служив податковим інспектором в Інсе.Сім‘;я до 1852 року жила в Невшателі, де працював батько. Тут Альбрехт йде в школу. Зі шкільних товаришів Альбрехт особливо подружився з Огюстом Бахеліном (Auguste Bachelin, який пізніше теж стане художником.Вчителем малювання у хлопчиків в школі був Фредерік Вільгельм Моріц, двоюрідний брат художника Габріеля Лорі.Найраніший інтерес до живопису проявився у хлопчика після відвідування виставки «the Société des Amis des Arts», яка проводилася в Невшателі в 1842 році. У віці 13 років Альбрехт разом з Бахеліном бере приватні уроки малювання у Луїса Валлінгера (Louis Wallinger, 1819-1886) в 1845-48 роках. 1847 рік став роком сімейних втрат. 5 квітня помирає 19-річний брат Рудольф, 15 серпня помирає мати Альбрехта. Хлопчик змушений був виїхати вчитися в Берн. У столиці він живе у свого дядька Маттіаса Анкера. Анкер вчиться в гімназії Кірхенфельд в Берні, де вивчає теологію. У листі, датованому 9 червня 1849 року, до свого друга Огюста, Альбрехт пише про бажання стати художником. З травня 1849 і до літа 1 854 Анкер є членом братства Цофинген. У 1851 році він витримував іспит на атестат зрілості, залишає Берн і продовжує навчання в університеті Галле в Німеччині.У вересні цього ж року Анкер здійснює свою першу поїздку в Париж, захоплюючись там картинами Пуссена і особливо Жоржа Сера. 4 червня 1852 помирає сестра Луїза-Емілія, але Альбрехт не може залишитися разом з батьком через навчання. Живучи в Німеччині, Анкер познайомився з великим німецьким живописом, зокрема в Картинній галереї Дрездена (Gemäldegalerie), яка справила на нього глибоке враження. Він зробив також поїздки в Веймар ,Мюнхен, Йена і Берлін. Згодом він пише батькові, що він відмовляється від вивчення богослов'я і про свій намір стати художником. Влітку 1854 року Альбрехт отримує нарешті згоду батька і 250 франків, і відразу їде в Париж, де знімає кімнату на rue Notre-Dame-des-Champs, 53. Хочеться відзначити, що батько до кінця своїх днів буде допомагати синові невеликими грошовими переказами . Анкер надходить в майстерню Шарля Глейра в Королівській Академії витончених мистецтв, де навчається. Паралельно він відвідує студію Поля Делароша. Після смерті батька він переізжає. Повернувшись після навчання додому, Анкер починає регулярно брати участь в виставках в Швейцарії і в Парижі. З 1865 по 1885 його одна-дві картини постійно виставлялися на Паризькому салоні. У 1860 році Анкер бере участь вперше у виставці de la Société des Amis des Arts в Невшателі, виставивши чотири картини «Церква в Інсе» (Kirchendiener in Ins), «Ігри дітей» (Kinderbildnis), «Суп для бідних» (Die Armensuppe) і «Голова дитини» (Kopf eines Kindes). У цій виставці Анкер братиме участь постійно до 1905 року. У 1861 році Анкер разом з Франсуа Ерман відправився в північну Італію, щоб копіювати картини старих майстрів, зокрема Тиціана і Корреджо. Вони відвідали Мілан, Венецію, Мантуї, Парму, Модену, Болонью і наостанок Флоренцію, де Альбрехт захворів на черевний тиф. На початку 1862 р повернувся в Марсель, а потім приїхав до своєї тітки Шарлотті Анкер в Сен-Блез. Ще в ході навчання, Анкер створив серію робіт на дитячу тематику. Діти, а потім і внуки Анкера служили художнику моделями. Його дружина з'являлася при нагоді на ескізах. За свої портрети дітей він був неодноразово нагороджений. Зазначу, що в європейському живописі 19-го століття Анкер належить до одного з найбільш значних художників, які зображали дітей.Мистецтвознавці розглядають дитячий світ Анкера з точки зору педагогічних змін у Європі в кінці 19 століття. Художник багато зображує учнів і учениць з грифельною дошкою, зошитом, письмовими олівцями і підручниками. Він розповідає також про той час, коли освіта була ще недоступно для селянських дітей, їх все сприймали, як маленьких дорослих. Лише в 1874 році Швейцарської конституцією було введено безкоштовне шкільне початкове і дев»ятирічна обов’язкове освіту.